Subcontinentul indian a produs numeroși artiști de renume internațional, mulți dintre ei aducând milioane la licitații la nivel mondial. Unii dintre cei mai de succes și inovatori artiști din India sunt femei, iar practicile lor variate explorează o gamă largă de teme, de la identitate și memorie la politică, istorie și cultură contemporană. Vă aducem zece dintre cele mai cunoscute artiste contemporane feminine indiene.
Shilpa Gupta
Examinând o serie de teme, de la cultura consumatorilor la dorință, securitate, religie, naționalism și drepturile omului, practicile interdisciplinare ale Shilpa Gupta utilizează video, fotografie, instalare și artă performantă, bazându-se deseori pe participarea publicului. Funcționând ca un joc video interactiv, seria de proiecții video intitulate Shadow (1, 2 și 3) încorporează umbrele simulate ale telespectatorilor, surprinse de o cameră live. Umbrele sunt proiectate pe ecranul alb și interacționează cu alte umbre create de obiecte, păpuși, case, păsări și alte figuri dansând, sărind și mergând pe jos. Gupta este una dintre o tânără generație de artiști indieni a căror muncă răspunde diviziunilor societății postcoloniale din țară. Deseori estompează, retrage și șterge granițele geo-politice, cum ar fi în 100 de hărți desenate de mână ale Indiei (2007-2008), care cuprinde hărți desenate de mână de către telespectatori din memorie sau lucrarea ei fără titlu care înfățișează o poliție galbenă bandă bandă citind, „Nu există graniță aici.”
Bharti Kher
Bindi-ul, gata pregătit - o decorare tradițională a frunții indiene - este esențial în practica lui Bharti Kher și invită semnificații ambivalente, oscilând între tradiție și modernitate. Kher prospera sa creeze arta care sa reprezinte interpretari gresite, conceptii gresite, conflict, multiplicitate si contradictie, explorand drama umana si viata contemporana. Bindi apare în tablourile sale, precum și în instalațiile sale sculpturale, provocând rolul femeilor într-o țară tradițională și făcând referire la semnificația sa spirituală tradițională a „celui de-al treilea ochi”. Recordul său The Skin Speak a Language Not Its Own (2006) înfățișează un elefant din fibră de sticlă mortă sau pe moarte, acoperit de bindis strălucitori. Lucrarea ei se implică în continuare cu povești alegorice, creaturi fantastice, fiare magice și monștri mistici, așa cum se vede în alte piese pe bază de animale, cum ar fi Misdemeanors. Absence of a Assignable Cause (2007) este o replică la dimensiunea vieții a inimii unei balene albastre, bazată pe imaginația artistului, subliniază ideea romantică a unei „inimi mari” și misterele care leagă inima de conceptele de iubire., viata si moarte.
Bharti Kher - O absență a cauzei atribuibile © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Cu hârtia ca mijloc principal și un vocabular minimal, bogat în asociații, Zarina Hashmi creează lucrări abstracte care rezonează cu experiențele sale de viață de exil și deposedare și cu conceptul de casă - indiferent că este personal, geografic, național, spiritual sau familial. Opera sa contemplativă, poetică, include tăieturi de lemn, gravuri, desene și piese realizate din pulpă de hârtie. Liniile sale artizanale și caligrafice constituie un element unificator în compozițiile ei. Limbajul este esențial pentru artist. Letters from Home (2004) prezintă o serie de printuri bazate pe scrisori de la sora ei Rani, care locuiește în Pakistan. Într-un interviu video Tate, Zarina povestește cum primirea acelor scrisori a ajutat-o să păstreze un sentiment de identitate. Următoarea scrisă de mână este suprapusă cu hărți și modele ale locuințelor și locurilor îndepărtate, care poartă umbrele unor momente semnificative și impresii despre locuri relevante pentru viața familiei sale.
Nalini Malani
Conceptul de graniță transcendentă se află în centrul practicii lui Nalini Malani, care se bazează pe literatură, mitologie, istorie și viață personală pentru a crea artă cu relevanță între culturi. De la desene la picturi, animație proiectată, joc de umbre, video și film, artistul juxtapune tradiția cu elemente moderniste pentru a aborda probleme presante referitoare la societatea contemporană. Familia ei a fost afectată de Partition din 1947 - o temă care îi este dragă Malaniului, așa cum se vede în Remembering Toba Tek Singh (1998), un videoclip inspirat din povestea scurtă din același titlu a lui Sadat Hasan Manto. Malani se folosește de simbolismul morții lui Bishen Singh - un pacient mental care, refuzând să se mute în India în timpul Partiției, moare în pământul nimănui între cele două granițe. Apoi, Malani explorează efectele Partition asupra vieții oamenilor și extinde această explorare la efectul testării nucleare din Pokhran, Rajasthan. Interesul lui Malani pentru Cassandra constă în credința ei că fiecare dintre noi avem perspective și instincte. Expoziția ei din 2014, intitulată „Darul lui Cassandra” la Galeria de Artă Vadehra, s-a concentrat pe posibilitatea ca omenirea să prevadă evenimentele viitorului și să „asculte” cu adevărat ce se întâmplă în jurul lor.
Rina Banerjee
O iubire de substanță, țesătură și textură, însoțită de experiența de a trăi în comunități din locații culturale / rasiale mixte oferă baza operelor multimedia poetice ale Rinei Banerjee. Ea definește opera sa ca o explorare a „momentelor coloniale specifice care reinventează locul și identitatea ca experiențe diasporice complexe întrețesute și uneori suprareale”. Banerjee creează ansambluri colorate de materiale textile, articole de modă, obiecte coloniale, mobilier, taxidermie și materiale organice, provenite de la magazinele de gunoi din New York și reconfigurate în obiecte imperturbate. Materialele neobișnuite includ aligatori cu taxidermie, pătuțuri de lemn, oase de pește, ouă de struț, pene și mobilier antic. În timp ce hibriditatea operelor sale este o reflectare a fundalului ei cosmopolit, limbajul vizual pe care îl creează este înrădăcinat în mitologie și basme. Ia-mă, ia-mă… la Palatul Iubirii (2003) este o instalație care a fost arătată la Musée Guimet din Paris în 2011. Articolând un discurs despre originile ei și priveliștea vest-orientalistă asupra estului, a cuprins un pavilion din plastic roz realizat în formă de Taj Mahal pentru a evoca o vedere a Indiei prin ochelari cu nuanțe de trandafir, caracteristici prezenței coloniale britanice în India - cu un ansamblu central de materiale „exotice”.
Dayanita Singh
Creând narațiuni curioase din viața de zi cu zi prin intermediul mediului fotografic, Dayanita Singh dă expresie vizuală unui peisaj care juxtapune imaginația artistului cu lumea reală. Fotografiile sale alb-negru sunt prezentate într-o instalație intitulată Muzeul, precum și în suportul ei preferat: cartea. Hârtia are o semnificație specială pentru Singh. Artistul ne înfățișează pe toți, de la clasa superioară până la marginea societății, oferind o vedere largă asupra Indiei contemporane. Mona Ahmed este o figură recurentă în opera ei; încă de la prima întâlnire din 1989 pe o comisie pentru London Times - un eunuc care locuia într-un cimitir din Old Delhi, un dublu izgonit respins de familia ei și de comunitatea eunuc. Portretizarea lui Mona a lui Singh este o explorare a celor cu identități fragmentate și lipsa unui sentiment de apartenență, care este subiectul cărții Myself Mona Ahmed. Casa iubirii de la Singh estompează linia dintre cartea de fotografie și ficțiunea literară, cu imagini însoțite de poezie și proză care povestesc nouă povești scurte. „Muzeele” portabile, cum ar fi File Museum (2013) sau Museum of Chance (2014), sunt structuri mari din lemn, care pot fi aranjate în diferite configurații, având între 70 și 140 de fotografii. Această „arhitectură foto”, așa cum o numește Singh, îi permite să afișeze, să editeze și să arhiveze imagini la nesfârșit.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat adesea încorporează mai mult de un mediu într-o singură lucrare de artă. Opera lui Kallat se angajează cu ciclurile interminabile ale naturii și cu fragilitatea condiției umane, reflectând schimbările constante dintre naștere, moarte și renaștere; construirea și prăbușirea, înfrângerea și reînvierea. Ea lucrează frecvent cu nume înregistrate oficial sau înregistrate - ale unor persoane, obiecte sau monumente care s-au pierdut sau au dispărut fără urmă. Un motiv recurent în practica ei este timbrul de cauciuc, simbol al controlului și al aparatului birocratic - o „stare fără chip” care ascunde și confirmă identitățile. Kallat folosește timbre de cauciuc din 2003, investind lucrările ei cu ironie. În Falling Fables, ea a folosit timbre cu adresele monumentelor dispărute protejate în cadrul Sondajului arheologic din India, creând forme de ruine arhitecturale, atrăgând atenția asupra stării de prăbușire și fractură din memoria colectivă care se întâmplă în India și în întreaga lume astăzi. În 2013, a creat Untitled (Cobweb / Crossings), o telemea de pe fațada Muzeului Bhau Daji Lad din Mumbai. Creația ei a cuprins o tonă de timbre de cauciuc care poartă numele de străzi din jurul muzeului și evidențiază istoriile pierdute. Kallat a folosit anterior motivul web pentru a se angaja în probleme de migrare și cei care îl controlează. În „Untitled (Map / Drawing)”, o hartă complexă a lumii realizată cu fire și fitinguri electrice urmărește căile de migrație adesea ascunse ale lucrătorilor.
[K] Reena Saini Kallat - Untitled (2008) - Detaliu © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
Prin intermediul fotografiei și instalării sculpturale, Hema Upadhyay se angajează cu noțiuni de identitate personală, apartenență, luxație, nostalgie și gen, reflectând asupra stării contemporane a Mumbai - o metropolă cu multiculturalitatea sa rezultată din mișcări migratorii. O lucrare autobiografică recurentă include imagini cu ea însăși, ca și cum ar fi căutat propriul loc în oraș, spre care a fost forțată să migreze cu familia în timpul Partiției. În prima ei expoziție solo, Sweet Sweat Memories (2001), a prezentat lucrări care vorbeau despre sentimente de înstrăinare și pierdere. Seria a prezentat fotografii în miniatură de ea însăși lipite pe tablouri care înfățișau perspective aeriene și subalterne ale Mumbai ca un nou oraș copleșitor.
Sheela Gowda
Încorporând sculptură, artă de instalare și fotografie care prezintă India urbană și rurală, Sheela Gowda creează lucrări folosind materiale de zi cu zi, inclusiv obiecte și materiale găsite și reciclate precum bălegar de vacă, kumkum roșu (turmeric), tămâie, păr uman, frunze de aur, coloranți ceremoniali și materiale casnice, cum ar fi fibre de nucă de cocos, ace, fire și cordon. Practica lui Gowda se bazează foarte mult pe procesul său, care estompează granițele dintre artă și meșteșug și pune sub semnul întrebării rolul subiectivității feminine în contextul religiei, naționalismului și violenței care constituie India contemporană. Și Spune-i despre durerea mea (2001) a folosit peste 100 de metri de fir înfășurat vopsit cu kumkum roșu, suspendat și drapat în spațiu pentru a forma un desen tridimensional. Lucrarea a făcut referire la cultura condimentelor din India și la industria textilă - în mod tradițional părți din experiența trăită a unei femei - pentru a evidenția durerea vieții domestice feminine într-o societate patriarhală.
