În timp ce Occidentul a început să recunoască abilitatea artistică care provine din Africa, multe stereotipuri create persistent de colonii continuă să încadreze Africa ca fiind ahistorică și exotică, ceea ce este în special în detrimentul femeilor africane. Astăzi, multe artiste feminine africane care au trăit și au lucrat în Diaspora contestă aceste percepții fictive și asupritive ale diferitelor țări africane și ale corpurilor lor prin arta lor. Iată cinci artiste de sex feminin din diaspora despre care ar trebui să știți mai multe detalii.
Wangechi Mutu - Histologia diferitelor clase de tumori uterini (2004) © Playing Future / Flickrcommons
Wangechi Mutu
Wangechi Mutu s-a născut la Nairobi, Kenya și și-a petrecut cariera de licență în Țara Galilor la Cooper Union, înainte de a imigra în Statele Unite, unde și-a câștigat MAF de la Yale. Astăzi, locuiește și lucrează în New York. De la o vârstă fragedă, Mutu a fost expus la modul în care lumea occidentală a simplificat Kenya pentru a fi o parte fără nume din Africa mai mare, formată din Safari și „triburi” tradiționale. Ea abordează aceasta și alte probleme post-coloniale în activitatea ei, fotomontajele sale fiind cele mai cunoscute. Acestea combină cerneala, acrilica și uneori sclipici și perle cu imagini decupate din reviste de călătorie, pornografie, reviste auto și reclame pentru a forma noi figuri umane. Imaginile finale, cum ar fi cele ale Ghinionilor Mici nefericite Ierarhi (2005) și Mireasa care se căsătorește cu cămila (2009), sunt strălucitoare și intense, frumoase, dar și neobservante. Imaginile originale au contexte individuale și evocă conotații distincte. Cu toate acestea, atunci când li se alătură Mutu, ei reprezintă reprezentarea moștenirii coloniale a modului în care Occidentul percepe continentul african ca „primitiv”, precum și obiectivarea hipersexuală a corpului feminin african. Frumusețea și ciudățenia atrag privitorul, în timp ce detaliile-femei compuse din capete de animale, diagrame ale colului uterin, motociclete și torsurile expuse ale unui model de joacă-provocare și perturbă imaginația occidentală care exoticizează și obiectivizează cultura și corpul african.
Pictura mediatică mixtă - Ghada Amer © See-ming Lee / Flickrcommons
Ghada Amer
Ghada Amer s-a născut la Cairo și a primit MAE în pictură de la Villa Arson EPIAR în 1989. Deși Amer se descrie în primul rând ca pictor, opera sa se întinde și combină mai multe medii. În special, ea folosește broderii și grădinărit, forță de muncă care este tipic clasificată drept domestic și feminin și deseori considerată hobby, mai degrabă decât artă. Fuzionând mijlocul de vopsea acceptat de artă plastică cu aceste „activități feminine”, împreună cu reprezentările ei adesea erotice ale corpului feminin, Amer contestă noțiunile de feminin versus masculin, de dorință și dragoste. Ea pune sub semnul întrebării așteptările societale ale figurii pure, de fată, care se ciocnesc cu obiectivarea și sexualizarea corpului feminin. În lucrări precum And the Beast (2004) și Knotty but Nice, ea pune în discuție relația de moralitate și condamnarea corpului femeii. În And the Beast (2004) Amer prezintă figura sacrificată de sine a lui Bell și a altor prințese Disney care se masturbează, folosind acrilice și broderii pe pânză, ceea ce solicită eliberarea figurilor deținute anterior pentru comportamentul lor moral care este cuplat în dragostea lor de un bărbat - absent de dorință sexuală. Le face mai umane, oferindu-le fetelor modele mai sănătoase.
Instalarea Ato Malinda © Iopensa / Wikicommons
Ato Malinda
Malinda este un artist de performanță care a crescut în Olanda, Statele Unite și Kenya. Deși a crescut departe de națiunea sa, multe dintre performanțele ei lucrează într-un context african Kenyan sau mai larg. Multe piese ale ei analizează politica post-colonială din țară, precum Mshoga Mpya (The New Gay in Kiswahili) (2014), care reacționează la ilegalizarea homosexualității din Kenya. În cadrul spectacolului, Malinda se află în interiorul unui dulap negru pe care doar un singur spectator îl poate intra la un moment dat, unde se bazează pe poveștile culese ale colindatorului din Nairobi. Intimitatea păstrează confidențialitatea vocilor anonime, permițând în același timp discuția celor care sunt tăcute cu forța. O mare parte a altei lucrări se concentrează asupra stării de spirit africane, precum performanța ei, Mourning a Living Man (2013), care este specifică casei sale disfuncționale din copilărie, dar vorbește și despre teme mai mari de performativitate de gen și abuz sexual prin utilizarea culorii, limba și activitățile domestice făcute perverse. În ambele piese, ea evidențiază vocile locale ale feminismului și ale comunității LGBTQ, oferind o platformă acestor povești care sunt umbrite de feminismul alb al Occidentului. Modul în care publicul este adesea forțat să interacționeze cu artistul și spațiul spectacolului conectează fizic audiența cu experiențele umane reprezentate.
Sokari Douglas Camp © El Coleccionista de Instantes / Flickrcommons
Sokari Douglas Camp
Sokari Douglas Camp este un prolific sculptor nigerian din Buguma care a studiat la California College of Arts and Crafts din Oakland, Central School of Art and Design și Royal College of Art din Londra, unde locuiește în prezent. Sculpturile ei înfățișează adesea Kalabari (orașul din care provine Douglas Camp) mascarate, spirite sau preotețe. Fabricat din oțel și alte materiale găsite, cum ar fi conserve, frânghii și pene, se conectează și reprezintă rădăcinile ei în aceste figuri. Expunând unui public internațional, sculpturile lui Douglas Camp lucrează la recontexualizarea rolului sacru al măștilor implicate în mască, care sunt adesea afișate izolate în muzee. Lucrările ei vorbesc în special cu Nigeria și Kalabari. Ca femeie, nu are voie să facă vreodată mascarada, deoarece acesta este strict rolul bărbatului în societate. Prin crearea acestor forme de performanță, Douglas Camp se angajează în mascarat la un nivel care este refuzat ei și al altor femei. De asemenea, sudarea este de obicei o poziție de artizan mascul. Atunci, într-un sens dublu, ea a contestat continuu granițele de gen impuse de tradiție. La scară națională mai mare, Douglas Camp a abordat uciderea lui Ken Saro-Wiwa de către guvernul nigerian. Activistă non-violentă împotriva Royal Dutch Shell Company și lipsa reglementărilor guvernamentale de mediu, Douglas Camp a văzut moartea sa ca o dizgrație națională și a ales să o reprezinte în lucrarea ei Alagba in Limbo (1998), care înfățișează mascarada Alagba fiind purtat rușinos de doi bărbați ale căror fețe exprimă agonie.
Fotografie de Aïda Muluneh © Magnus Manske / Wikicommons
