În spatele fiecărui bărbat artist, stă o femeie care și-a negat partea corectă de aclamare. Rezultatele din istoriile mișcărilor artistice pe care le-au ajutat să le creeze, au împiedicat să se deplaseze liber în ilustrele cercuri sociale și instituții deschise omologilor lor bărbați și adesea găsind doar succesul financiar pe care îl merită postum, acestea sunt femeile incredibile artiste atât în viață cât și în viață morți care astăzi și-au sculptat locurile la cele mai prestigioase și scumpe case de licitații din lume.
Georgia O'Keeffe © Michael McLean
Georgia O'Keeffe (1887-1986)
Cunoscută sub numele de „Mama Modernismului American”, Georgia O'Keeffe ocupă această listă după o milă de țară. Pictura ei Jimson Weed / Flower White nr. 1, finalizată în 1932 vândută la o licitație Sotheby's din New York, în 2014, pentru o sumă de 44, 4 milioane de dolari. O'Keeffe a fost deosebit de cunoscută pentru picturile sale cu flori mărite, influențată de forma și stilul în continuă evoluție ale fotografilor moderni americani, dar și-a dedicat o mare parte din atenția ei pentru a captura frumusețea unică a peisajului din nordul New Mexico - o destinație preferată de călătorie și eventual casă adoptată. Profund în ton cu lumea naturală, lucrările lui O'Keeffe au utilizat o abordare muzicală, emoțională și hiper-sensibilă la modul în care culoarea și forma se joacă unele cu altele.
„Maman” de Louise Bourgeois © Jean-Pierre Dalbéra
Louise Bourgeois (1911-2010)
Deși „feminina” ar fi putut face obiectul unei mari lucrări a sculptoarei franceze Louise Bourgeois, producând o varietate de sculpturi sexuale explicite care ilustrează forma feminină de-a lungul carierei sale, ea a rezistat constant ideii că era o artistă feministă. Cu toate acestea, în anii 70, Bourgeois a fost implicat cu un grup de activiști feministi numit Fight Censorship Group, care contestă cenzura restrictivă a imaginilor sexuale explicite. Opera sa ulterioară, pe care a continuat să o producă chiar până la moartea sa în 2010, la 98 de ani, a susținut drepturile comunității LGBTQ. Cele mai cunoscute lucrări ale lui Bourgeois - și cele care au pus-o pe această listă - sunt sculpturile ei uriașe de păianjen (numit Maman), distribuite pentru prima dată în 1997 și reproduse în diferite ediții și o varietate de materiale în anii următori, cea mai mică împodobind o broșă de argint și cea mai mare în picioare la 30 de metri. Bourgeois a susținut că fixarea ei cu arahnide a reprezentat relația cu mama ei. O versiune de bronz vândută la Christie's pentru 28, 2 milioane USD în 2015.
Le Jour ni l'Heure 8739: Joan Mitchell © Renaud Camus
Joan Mitchell (1925-1992)
Artistul originar din Chicago, Joan Mitchell, este în fruntea listei în ceea ce privește valoarea generală a corpului său de lucru, picturile sale obținând un răcoros de 286 milioane de dolari între 2005 și 2015. De asemenea, a avut peste 3000 de lucrări vândute - peste 2.500 de piese mai mult decât Cindy Sherman - următoarea femeie cu cel mai înalt clasament în volum. Născut în 1925, Mitchell a fost o figură de frunte în cea de-a doua generație a expresioniștilor abstracti americani și una dintre doar o mână de femei active în școala interdisciplinară din New York în anii '50. Influențată în mod deosebit de stilul și sensibilitatea lui Van Gogh din primii ani, picturile lui Mitchell s-au caracterizat prin pensule energetice, folosirea vie a culorii și o abordare extrem de emoțională și expresivă a artei sale. Tabloul ei din 1960 Untitled s-a vândut pentru aproape 12 milioane de dolari în 2014.
Berthe Morisot (1841-1895)
Cea mai veche artistă de pe această listă, Berthe Morisot a fost un pictor impresionist francez și, împreună cu sora ei Edma, un talent foarte respectat în rândul cercurilor de artă pariziene, în ciuda faptului că genul lor le-a împiedicat să intre în instituțiile oficiale de artă. O treime din „Les trois grandes dames” a criticului de artă Gustave Geffroy a făcut prima expoziție publică la foarte apreciatul Salon de Paris. Pe parcursul vieții sale, Morisot a extras mai multe nume uriașe din mișcarea impresionistă, inclusiv Monet și Renoir, și a expus împreună cu impresioniștii în fiecare an, dar unul începând cu 1874. Tablourile ei înfățișau subiecți din viața casnică din societatea franceză de clasă superioară, precum și vieți fixe și peisaje rurale. Après le déjeuner, pictată în 1881 și vândută cu 11 milioane de dolari în 2013, este munca ei de cea mai mare valoare.
Berthe Morisot, Leagănul, 1872, Musée d'Orsay, Paris Wikicommons
Natalia Sergeevna Goncharova (1881-1962)
Artistul de avangardă rus Natalia Sergeevna Goncharova a fost o adevărată atotputernică. Artist, pictor, designer de costume, scriitor, ilustrator și scenograf, Goncharova a fost un membru fondator al școlii de artiști „Jack of Diamonds” formată la Moscova în 1910. Unul dintre cele mai mari și mai influente grupuri de influență ale avangardei rusești, Jack of Diamonds a fost format pentru a contesta clichicitatea percepută a scenei de artă ruse ca urmare a expulzării mai multor artiști de la Școala de pictură, sculptură și arhitectură din Moscova pentru a emula stilul occidental contemporan. Demonstrând o fascinație pentru primitivismul etnic rus și arta populară în timpul carierei sale timpurii - care s-a îmbinat perfect cu sensibilitatea ei anti-urbană, rurală - Goncharova urma să devină ulterior un pionier al mișcării inovatoare rusești futuriste. În 2007, Goncarova a devenit pentru scurt timp cea mai scumpă femeie artistă din lume, după pictura sa din 1909 Picking Apples vândută pentru un record record de 9, 8 milioane de dolari, iar Les fleurs vândând 10, 8 milioane de dolari în 2008.
Natalia Goncharova, Ciclistul, 1913, Muzeul Rus, Wikicommons din St.Petersburg
Agnes Martin (1912-2004)
Artistul canadiano-american Agnes Martin a fost o figură proeminentă și una dintre puținele femei din mișcarea de abstractizare dominată de bărbați. La fel ca Georgia O’Keeffe, Martin s-a stabilit definitiv în New Mexico, cu munca ei inspirând clar din mediul statului - deși munca ei rezultată este în mod sălbatic diferit de picturile vii, pline de culoare ale primului, alegând în schimb să-și canalizeze inspirația în subtile., spălări de culori delicate și subduite. După ce a lucrat exclusiv în maro, negru și alb înainte de a se muta în New Mexico, nu poate exista niciun dubiu cu privire la rolul jucat de peisajul deșertului unic și mistic asupra corpului ei de muncă. Martin este cunoscut pentru picturile sale pătrate pline cu grile palide și linii repetate, pictura ei Orange Grove se vinde cu 10, 7 milioane de dolari la începutul acestui an.
Clasa de artă în retrospectiva noastră #AgnesMartin. #regram via @ayeflevet #LACMAPlusYou #lacma
O fotografie postată de Muzeul de Artă al Județului din Los Angeles (@lacma) pe 3 iulie 2016 la 1:24 pm PDT
Cady Noland (n. 1956)
„The American Nightmare” este subiectul auto-profesat al sculptorului american postmodern Cady Noland. Noland își folosește mijlocul pentru a lansa atacuri înrădăcinate asupra culturii americane contemporane - indiferent dacă este obsesia celebrității, glamour sau fixarea cu violență - comentând ceea ce ea percepe drept identitatea socială fragmentată din America de azi. Sculptura din 1989 a lui Noland, Bluewald, care explorează asasinarea lui John F. Kennedy și uciderea ulterioară a asasinului său, Lee Harvey Oswald, a vândut în 2015 pentru 8 milioane de dolari, câștigându-i un loc ca singurul artist viu pe această listă. Se compune dintr-o imagine a lui Oswald în momentele sale de moarte aruncate și tipărite pe aluminiu, pline de găuri de gloanțe lărgite și cu un steag american de bumbac împletit în gură.
Fericit 4 iulie! #cadynoland această piesă nu are încă un titlu, 1989 #beercans #flags #schaffolding #paint și #mixedmedia #rubellfamilycollection #Miami
O fotografie postată de Julien Gardair (@juliengardair) pe 4 iulie 2016 la 11:39 PDT
Tamara de Lempicka (1898-1980)
Pictura poloneză Art Deco, Tamara de Lempicka, este adesea recunoscută drept „prima femeie artistă care a fost o stea glamour”. Glamour a jucat cu siguranță un rol proeminent în mare parte din tablourile sale, artista pictând adesea socialite și regali în toată Europa și America de Nord, devenind un artist preferat la Hollywood. Refugiat al Primului Război Mondial, Lempicka a dezvoltat o abordare senzuală a cubismului moale, în timp ce se străduia să își câștige viața la Paris. Lempicka a îmbrățișat pe deplin spiritul anilor 1920, adoptând un stil de viață boem, amestecându-se cu artiști precum Pablo Picasso și respingând moravurile sociale pentru a îmbrățișa fără rușine bisexualitatea ei. Le rêve (Rafaëla sur fond vert) de la Lempicka s-a vândut pentru 8, 4 milioane de dolari în 2011, pictorul numrând unele dintre cele mai cunoscute nume de azi printre colecționarii săi fideli, printre care Madonna, Jack Nicholson și Barbara Streisand.
Tamara de Lempicka, Le Jour ni l'Heure © Renaud Camus / Flickr
Camille Claudel (1864-1943)
„Camille Claudel l-a inspirat pe unul dintre marii artiști ai lumii” - așa se întâmplă adesea povestea sculptorului și designerului grafic Camille Claudel, tumultuoasa relație cu Auguste Rodin, strălucirea artistică decolorând din lumina reflectoarelor. În timp ce o fată tânără de naștere a oamenilor, Claudel a purtat o fascinație neobișnuită cu piatra și solul, care avea să o conducă mai târziu spre mediul sculpturii. Claudel a fost cunoscută pentru sculpturile sale dinamice, lirice și texturizate ale unor figuri nud, cu criticul de artă Octave Mirbeau care a declarat-o ca fiind „O revoltă împotriva naturii: un geniu al femeii”. Claudel avea o natură volatilă și, din păcate, a distrus o mare parte din munca ei în timpul unor furii și paranoii. În 1913, a fost internată la un spital de psihiatrie, la îndemâna fratelui ei - în ciuda protestelor presei și a prietenilor săi. Ea trebuia să rămână închisă în instituții până la moartea ei peste 30 de ani mai târziu și a fost înmormântată într-un mormânt nemarcat, masiv, la Asile de Montdevergues. Versiunea La valse, permière (1893) s-a vândut cu 8 milioane de dolari la o licitație din Sotheby's London din 2013.
Sculptura lui Camille Claudel © Pierre Andre Leclercq
