În cazul în care nu ați observat, Los Angeles este plin de spații expoziționale. LACMA găzduiește 100.000 de opere de artă, cimentându-l drept cel mai mare muzeu din vestul Statelor Unite. Muzeul a fost deschis în 1965 și se concentrează pe întinderea istoriei artei și a globului. Unde să încep? Prezentăm zece lucrări obligatorii la LACMA.
Plângând femeia cu batista (1937) de Pablo Picasso
Picasso a pictat acest lucru în 1937 în Spania după ce și-a încheiat faimoasa lucrare Guernica, care a fost în semn de protest față de războiul civil spaniol. După aceea, Picasso și-a schimbat stilul de pictură în suprarealism, dar a continuat să picteze femeia plângând frecvent. Femeia capturată nu reprezintă doar agitația personală, mulți credând că este un portret al iubitei și amantei sale Dora Maar, dar reprezintă și o victimă a războiului - o soție și o mamă lăsate în agonie prin distrugere. Pictura este incredibil de puternică, precum și provocatoare de gândire. Muzeul are o mare varietate de lucrări Picasso expuse din mai multe perioade diferite, astfel încât puteți explora colecția acestui mare artist.
Fotografie de Daren DeFrank
Shiva ca Domn al Dansului (c. 950-1000) de Tamil Nadu
Shiva Distrugătorul și Restauratorul este unul dintre cei trei zei hindusi. Celelalte includ Brahma Creatorul și Vișnu Preservatorul. Shiva este foarte popular și se închină în toată sudul Indiei. Shiva este cunoscut și ca zeul patron al yoga și dansului cosmic care a creat universul în cicluri ritmice continue. În această ilustrare, Shiva dansează în jurul unei flăcări care se ridică de pe un piedestal de lotus, gândit de mulți ca fiind un simbol al creației. Sculptura a devenit simbolică a civilizației indiene. Lucrarea surprinde harul și unitatea divină a lui Shiva. Sculptura poate fi găsită la etajul al patrulea al clădirii Ahmanson, iar la vizualizarea ei de aproape este ușor de observat semnificația puternică pe care această sculptură a avut-o asupra culturii indiene, precum și de ce piesa este sărbătorită în întreaga lume.
Fotografie de Daren DeFrank
Wrestlers (1899) de Thomas Eakins
Acest tablou este ușor de găsit în galerie, deoarece cere pur și simplu atenția ta. Dintr-odată ești atât de captivat de imaginea aspră, încât este greu să privești departe. Eakins este considerat unul dintre marii pictori americani realiști ai secolului al XIX-lea și este ușor de văzut de ce. Tabloul pare că are loc în fața ta, cu doi luptători întreținuți în mijlocul unui meci. Scopul în multe dintre lucrările sale a fost să surprindă „eroismul vieții moderne” și, de multe ori, își petrecea ore întregi creând aceste momente. Adesea ar avea doi sportivi care se luptă pentru el și apoi ar fi stabilit care poziție a găsit-o cel mai interesant din punct de vedere stilistic. Acest tablou este, de asemenea, ultimul său complet pe subiectul formei umane și a fost terminat spre sfârșitul carierei sale. Se crede că este reprezentativ pentru propriile sale frustrări cu viața. Pictura este cu siguranță uimitoare. Cine știa că lupta cu demonii cuiva poate fi atât de frumoasă?
Fotografie de Daren DeFrank
Three Quintains (1964) de Alexander Calder
Această sculptură este unică nu numai pentru elementele de design din lucrarea Trei Quintaine ale lui Alexander Calder, ci și pentru că piesa a fost creată pentru muzeu. Înainte de deschiderea muzeului, s-a format un comitet pentru achiziționarea unei sculpturi cu fântână pentru locație. Muzeul a oferit comisiei lui Calder, care a fost de acord în iunie 1964. Laurelle Burton, care era președintele Consiliului Muzeului de Artă la acea vreme, a spus: „Pentru a avea un bărbat de proeminență al lui Alexander Calder, fii primul care proiectează o sculptură specifică pentru că noul muzeu ar stabili standardele pentru eforturile viitoare, din partea artiștilor și donatorilor. " Fântâna este alcătuită din forme geometrice simple, caracteristice stilului Calder, plutind în aer și propulsate de jeturi de apă. Piesa este una dintre puținele sculpturi ale fântânii create de Calder vreodată. Lucrarea este expusă permanent în Grădina mesei rotunde a directorului.
Ziua florilor (Dĩa de Flores) (1925) de Diego Rivera
Diego Rivera cu siguranță nu are nevoie de nicio introducere. Picturile sale, într-o varietate de medii, inclusiv acuarelă și ulei, sunt de renume mondial. Acest tablou este o lucrare obligatorie! Punctul principal al tabloului este vânzătorul de crini calla. Florile sunt privite de sus, ceea ce este o perspectivă unică. De asemenea, compoziția piesei este interesantă, deoarece figurile au un stil asemănător blocului, ceea ce este o tehnică pe care Rivera a prelucrat-o din pictura sa cubistă din cariera sa. După ce a câștigat primul loc în prima expoziție pan-americană de picturi în ulei în 1925, a fost obținută de instituția părintească a LACMA Muzeul de Istorie, Știință și Artă din Los Angeles.
Ziua Floriilor Diego Rivera © Joaquin Martinez / Flickr
Placi cu Arabesque Floral Scrolling (sec. XV), Iranul Mare
O parte din expoziția LACMA, Islam Art Now - Partea a 2-a, această piesă ceramică datează din secolul al XV-lea. Expoziția în ansamblu se concentrează pe amestecul dintre arta trecută și prezentă într-o varietate de medii și teme. Această țiglă aparține regulii timuride din Iran și Asia Centrală. Clădirile sponsorizate de Timurids adesea împodobite cu plăci decorative precum aceasta. Piesele din țiglă au fost tăiate din diferite seturi de plăci, cu o serie de culori diferite, pentru a crea un mozaic care să se alăture celorlalți în crearea unui design complex la exteriorul structurilor. Ceea ce este cel mai frapant la această piesă este că, în ciuda vârstei și a uzurii plăcii, culorile vremii rămân încă vii.
-
- Placă © Beesnest McClain / Flickr
La Trahison des images (Ceci n’est pas une pipe) (1929) de René Magritte
Nu numai că această pictură este considerată una dintre capodoperele suprarealiste ale lui René Magritte, dar este recunoscută și ca o icoană a artei moderne. Suprarealismul a fost un stil de artă care și-a atras puternic influențele din psihologia freudiană. Simboliza o reacție împotriva „raționalismului”, care mulți credeau că a contribuit la primul război mondial, picturile sale cu imagini de cuvinte sunt exemple ale acestuia din imposibilitatea de a combina cuvinte cu imagini și obiecte. Magritte a lucrat în publicitate, precum și a fost artist, iar tabloul pare la început simplist - aproape vânzând țeava descrisă în piesă. Cu toate acestea, sub cuvintele citite „nu este o conductă”, ceea ce este la început confuz. Elementul complex este că o pictură a unei țevi nu este de fapt o țeavă în sine, ci doar o reprezentare a unei țevi. Utilizarea textului său în picturile sale va continua să influențeze o generație de artiști orientați pe concept, inclusiv: Jasper Johns, Roy Lichtenstein și Andy Warhol.
Foto de Daren DeFrank
Natura mortă cu cireșe și piersici (1885-1887) de Paul Cézanne
Paul Cézanne este cunoscut ca unul dintre pictorii legendari postimpresionisti ai secolului XIX. Picturile sale includ o varietate de subiecte, de la peisaje până la portrete și vieți fixe. Picturile sale iconice din diferite setări ale mesei sunt imediat recunoscute în și din lumea artei. Cézanne a folosit culori vii și lovituri de perie pentru a surprinde intensitatea imaginilor, lucru exemplificat în acest tablou. Punctele de vedere din tablou sunt variate. Cireșele sunt privite dintr-un punct focal de mai sus, în timp ce piersicile, în ciuda apropierii lor, par a fi privite mai mult spre un unghi lateral. Sticla și foaia însoțesc setarea mesei și sunt realiste și mai abstracte în același timp, ceea ce este tipic postimpresionismului. Această piesă este un exemplu clasic al stilului captivant al lui Cézanne și o pictură obligatorie la propriu.
Fotografie de Daren DeFrank
Umărul rece (1963) de Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein este unul dintre un grup de artiști care au folosit imagini comerciale în activitatea lor și au transformat-o. Aceste stiluri au devenit cunoscute sub numele de Pop Art și au intrat în vogă în anii '60. Folosirea culorilor și liniilor îndrăznețe creează imagini tip banda desenată. Desenul precis este de asemenea plat pe pânză, lipsit intenționat de utilizarea dimensiunii. De asemenea, juxtapunerea textului din piesa care spune „Bună ziua” cu femeia cu spatele creează o dinamică interesantă. Folosind stilul cunoscut sub denumirea de Ben-Day (imprimantă) puncte, care este un proces mecanizat utilizat în producerea de benzi desenate, Lichtenstein creează pielea femeii cu o interpretare manuală a tehnicii.
