Urmând pe urmele unor pionieri ai artei cinetice, cum ar fi Wen-Ying Tsai, care a murit în ianuarie 2013, artiști din Marea Britanie, inclusiv Taiwan și Hong Kong, experimentează din ce în ce mai mult cu noile media. Mulți dintre generațiile tinere lucrează cu software și robotică pentru a crea instalații cinetice interactive și imersive, care variază de la performativ la participativ și sunt toate exemple surprinzător de minunate în scena în creștere a artei robotului.
Dimensiune +
Dimension + este o nouă echipă de creație pentru arte media fondată de doi artiști din Taiwan și Hong Kong, Escher Tsai și Keith Lam. Colectivul se concentrează pe fuziunea artei și tehnologiei. Proiectele lor se concentrează pe integrarea noilor media în spațiu și a noilor arte media în industrie, creând design interactiv trans-disciplinar și îmbunătățind experiența publicului cu interacțiunea. Bazat în era digitală, Dimension + își propune să împlinească dicotomia între digital și fizic, prin transferul invizibilului și digitalului într-un element vizibil și tangibil, lucru realizat prin combinarea suporturilor analogice și digitale.
Dimension + a câștigat numeroase premii internaționale și a expus în festivaluri, expoziții și evenimente internaționale, inclusiv în Italia, Austria, Japonia, Beijing, Shanghai, Guangzhou, Hong Kong și Taiwan.
Signal Morphor: Orchestra este o instalație interactivă și performativă, care transformă comunicarea în partitură muzicală și dă „viață” semnalelor imateriale (sau intangibile). Publicul este interpretul, iar comunicarea este tradusă în audiovizuale. Un grup de dansatori cu umbrele cântă ca un fel de antene umane, traducând sau decodificând semnalele de comunicare reacționând la informațiile primite și executând răspunsul la acestea.
Seria de lucrări intitulată Vertebra a apărut recent la Festivalul de artă digitală Taipei 2013 și în The Innovationists, demonstrează o expoziție de arte cinetice și robotice la K11 Mall din Hong Kong și la Muzeul de Artă Contemporană Taipei. Lucrările folosesc hârtia ca material principal și sunt reproduceri ale coloanelor vertebrale care au structura și soliditatea animalelor, precum și moliciunea și suplețea plantelor, creând un prototip hibrid al creaturii „perfecte”.
Eric Siu
Eric Siu este un nou media media din Hong Kong, care lucrează cu art-dispozitiv, artă interactivă, cinetică, instalare, video și animație. Acum lucrează ca director de creație la Great Works Tokyo, o agenție de publicitate și este membru al consiliului de administrație al videotajului din Hong Kong din 2008. În 2005, a obținut licența în Creative Media de la Universitatea City din Hong Kong și a continuat la finalizați un proiect de cercetare culturală și schimb de 12 luni în Statele Unite. Lucrările sale video și multimedia au fost expuse pe tot globul, inclusiv la instituții și evenimente seminal noi de artă media, cum ar fi ZKM Karlsruhe, MOCA Taipei, Transmediale, SIGGRAPH Asia, ISEA, Microunde, printre altele.
Cea mai populară lucrare a sa Touchy a câștigat aclamă critică și premiul întâi la WRO 2013, a 15-a Bienală internațională de artă media, Wroclaw, Polonia și a fost prezentată pe Discovery Channel și alte publicații internaționale. Touchy este o „cameră umană” - o persoană care poartă un aparat foto - care face o fotografie atunci când este atinsă mai mult de 10 secunde. Dispozitivul de cască purtabil are funcțiile unei camere care cuprinde o pereche de obloane automatizate, o cameră funcțională și un ecran interactiv. Touchy este de cele mai multe ori orb în spatele obloanelor, iar opera de artă este de fapt o transformare a unui om într-o cameră. Artistul numește această lucrare un „experiment fenomenologic de interacțiune socială care se concentrează pe relația de a da și de a primi transformând literalmente un om într-o cameră foto.” Pentru artist, această lucrare urmărește vindecarea anxietăților sociale din era digitală prin crearea de interacțiuni jucăușe. În era tehnologică actuală, a existat o dezumanizare a contactului fizic, iar interacțiunea socială se întâmplă tot mai mult virtual și digital. Touchy abordează aceste probleme, permițând interacțiunile cu persoane necunoscute, implicând contactul fizic și combinația omului cu un dispozitiv de tehnologie socială: o cameră foto, care la rândul ei este un instrument de partajare a amintirilor, momentelor, emoțiilor, frumuseții.
Xia Hang
Xia Hang (n. 1978, Shenyang, provincia Liaoning, China) a început să picteze la vârsta de 10 ani și a absolvit un BFA de la Academia de Arte Plastice Lu Xun și un MFA de la Departamentul de Sculptură al Academiei Centrale de Arte Plastice din Beijing (CAFA). În timpul său la CAFA, Xia a început să realizeze sculpturi în formă de virgulă din oțel inoxidabil lustruit, care au fost precursorii actualelor sale sculpturi extraterestre mecanice.
Xia Hang a creat o serie de sculpturi asemănătoare extratereștrilor care, completate cu mecanisme, se mișcă, se întind și se schimbă forma cu interacțiunea publicului. Artistul a creat astfel de lucrări interactive, care au fost afișate pentru prima dată în expoziția sa din 2008, la Beijing, intitulată Please don't touch (cu „atingerea” încrucișată), sfidând acea regulă de muzeu și galerie care interzice atingerea operelor de artă. Xia Hang a simțit că acest tip de semn detașează spectatorul și opera de artă și mai mult, așa că a decis să realizeze lucrări de artă care să le apropie pe cele două, făcând ca sculpturile să devină ca niște jucării.
Xia Hang a creat, de asemenea, LM1 (Legacy Machine No. 1) în colaborare cu MB&F. Lucrarea este un ceas care păstrează toate caracteristicile atractive ale ceasului de buzunar LM1 original inspirat din secolul al XIX-lea. Versiunea Xia Hang prezintă o nouă caracteristică, sub forma unei sculpturi în oțel inoxidabil în miniatură a unui bărbat care indică rezerva de putere a ceasului. 'Domnul. Sus ”, sculptura stând dreaptă când mișcarea este complet înfășurată, se transformă încet în„ Mr. În jos ', o figură de slăbire, când puterea scade.
Wu Xiaofei
Wu Xiaofei (Dyson) a absolvit licența în arte plastice pentru design la Batley School of Art and Design, Dewsbury College, Marea Britanie. În prezent, Wu are sediul în Chengdu și învață arta tradițională a tăierii hârtiei și lucrul la un proiect cinetic. Crescând ca un băiat tânăr introvertit, Wu a avut o pasiune pentru a lua lucrurile la o parte și a le reconstrui de la zero. Descoperirea unei defecțiuni și găsirea soluției a fost ceea ce l-a atras mai aproape de dezvoltarea propriilor sale lucrări mecanice. Wu se concentrează pe crearea de contracții și instalații cinetice care necesită interacțiunea publicului și le stimulează curiozitatea.
Musical Typewriter este un exemplu al instalațiilor sale interactive, invitând tinerii și adulții să se joace cu acesta. În mod normal, utilizarea unei masini de scris este o activitate simplă de scriere care permite utilizatorului să știe care este rezultatul apăsării tastelor. În instalarea lui Wu, cheile sunt conectate la o serie de linii de pescuit legate de mici ciocane. Când sunt apăsate tastele, ciocanele vor lovi o varietate de obiecte, cum ar fi borcane goale cu sos de paste, conserve, sticle, folie, producând sunete diferite. Conexiunile nu sunt cunoscute publicului, ceea ce duce la o explozie sonoră imprevizibilă. În prezent, Wu încearcă să obțină finanțare sau sponsorizare de la Ikea, pentru a îmbunătăți proiectul și a-i îmbunătăți fondul.
Samson Young
Samson Young (n. 1979) este un compozitor, sunet și noul media media din Hong Kong, cu un CV aproape intimidator de impresionant. A obținut licența în Muzică, Filozofie și Studii de Gen de la Universitatea din Sydney în 2002 și un MPhil în Compoziție muzicală de la Universitatea din Hong Kong în 2007. Este doctor în compoziție muzicală de la Universitatea Princeton (SUA) și este asistent profesor de artă critică intermedia la Școala de mass-media creativă, Universitatea din orașul Hong Kong. Mentorii săi includ Chan Hing-Yan și Paul Lansky. Young a expus și a interpretat pe plan internațional, inclusiv Festivalul Internațional de Muzică Nouă Sydney Springs (Australia 2001), Festivalul Internațional de Muzică Canberra (Australia 2008), Zilele Mondiale de Muzică ISCM (Australia 2010), Festivalul de Muzică și Artă MONA FOMA (2011), Cuptorul cu microunde Festivalul Internațional al Artelor Noi Media (HK 2004), printre multe altele. În 2007, a fost primul artist din Hong Kong care a câștigat premiul Bloomberg Emerging Artist Award cu proiectul său audio-vizual The Happiest Hour.
În ciuda acestui apel de succes în extremis, Young este, de asemenea, reflectorizant și atent, trăsături care apar în lucrările sale. Mașinile sale pentru a face nimic (2011-2014) este o colecție de obiecte electronice mici, care, în afară de a fi folosite pentru a juca, nu au nici o funcție sau semnificație. Existența lor demonstrează modul în care interactivitatea poate fi seducătoare sau chiar captivantă, iar opera de artă explorează „plăcerile estetice ale interacțiunii om-mașină” la nivelul său cel mai de bază. Beethoven Piano Sonata No. 1 - 14 (Senza Misura) este alcătuit din 47 de circuite de panou open-style, care funcționează ca metronici electronici. Fiecare dintre aceste mici dispozitive bifează și clipește marcând ritmul de la una dintre mișcările sonatei.
Annie Wan
Annie Wan este o nouă artistă media din Hong Kong. A absolvit licența în Creative Media de la Universitatea City din Hong Kong în 2002 și un master în Tehnologia informației aplicate (Artă și tehnologie) de la Universitatea Chalmers din Tehnologie, Suedia, în 2005. În 2012, a primit un doctorat în Arte digitale și Media experimentală de la Universitatea din Washington, SUA. În prezent este profesor asistent la Școala de Comunicare (Academia de Film), Universitatea Baptistă din Hong Kong. Wan a expus la nivel internațional la festivaluri, evenimente și expoziții, inclusiv Multimedia Art Asia Pacific Conference 2004 (Singapore), ZeroOne / ISEA 2006 (San Jose, Statele Unite), Pavilionul Franței la a 10-a Bienală de Arhitectură de la Veneția. În 2009 a câștigat premiul finalist la Asia Digital Art Awards 2009, Fukuoka, Japonia.
Lucrările lui Annie Wan se concentrează mai ales pe media locativă, electronica încorporată și sistemele bazate pe rețea. Unde este puiul? (2008-2009) este o lucrare de artă publică de robotică locativă, susținută de Consiliul Dezvoltării Artelor din Hong Kong. Lucrarea funcționează ca o performanță narativă, care este construită cu interacțiunea robotului, locația sa specifică din punct de vedere cultural și publicul participant. Într-o interacțiune publică, narațiune colaborativă, sistem automat și tehnologie mobilă, opera este o formă de viață automată mecanică care nu simulează pur și simplu realitatea, ci permite publicului să se angajeze cu ea și să modifice, să transforme și să răsucească percepția unei astfel de realități. Interacționând cu instalația, publicul colaborează la dezvoltarea acesteia, precum și la continuarea narațiunii din jurul spectacolului. Publicul ajută, de asemenea, la colecția unei „hărți de pui a orașului”, împărtășind experiențele sale cu artistul.
Shyu Ruey-Shiann
Shyu Ruey-Shiann (n. 1966, Taipei) este în prezent între Taipei și New York. El a expus la nivel internațional, cum ar fi Muzeul Național din Arte Plastice din Taiwan și Muzeul de Artă Contemporană din Taipei, Muzeul de Artă Chelsea din New York, Centrul de Arte din Hong Kong și Institutul de Arte Contemporane din Australia, printre altele.
Shyu este cunoscut pentru crearea sculpturilor mecanice și cinetice lansate în 1997, care folosesc forma mecanică ca limbaj abstract, care transmite ideile și sentimentele sale către viață, amintiri și probleme referitoare la mediu, politică și societate. Lucrările sale complexe mecanic cuprind până la mii de componente proiectate și realizate chiar de artist, dar păstrează un aspect simplu și dau o impresie de simplitate.
Un fel de comportament este cea mai recentă lucrare a sa, o instalație publică în aer liber, acum expusă la Bronx Museum of Art din New York până la 17 august 2014. Instalarea cuprinde zeci de găleți de oțel de aceeași dimensiune, împrăștiate pe podeaua terasei și ondulate la propriul ritm individual. Lucrarea este inspirată de mișcarea cvasi-mecanică a crabilor pustnici, ale căror mișcări lente sunt în contrast mare cu viteza cu care se mișcă societatea contemporană. Crabul pustnic folosește, de asemenea, scoici aruncate de alte specii și Shyu vede acest lucru ca o metaforă pentru condiția noastră umană. Artistul ne cere să reflectăm asupra mediului nostru și asupra consecințelor acțiunilor umane asupra naturii.
Akibo Lee
Akibo Lee (Li Ming-dao) este un artist taiwanez care se ocupă cu arta digitală și robotica. Este renumit pentru munca sa de proiectare pentru industria muzicii pop din Taiwan. A expus pe scară largă în întreaga lume, inclusiv în Hong Kong, China, Taiwan, Singapore, Japonia și SUA. Lee se angajează cu lucrări interdisciplinare și creează roboți pentru o audiență diversă, inclusiv branding comercial, artă vizuală, artă spectacolă și artă publică.
Una dintre lucrările sale cele mai cunoscute în sfera publică este BIGPOW, o instalație robotizată care cuprinde un grup de trei roboți, unul mare și doi mai mici. În aparență jucăuși și drăguți, cei trei roboți ascund o componentă interactivă în spatele desenelor lor aparent statice. Robotii sunt echipamente hi-fi metamorfozate, iar publicul își poate conecta dispozitivele MP3 la ei și își poate partaja muzica public.
Exprimându-și dragostea pentru muzica electronică, Lee a creat, de asemenea, doi roboți de dans, Ding și Lulubo. Ding este o creatură asemănătoare cu caracatița cu opt picioare, iar Lulubo este un robot feminin, cu o formă frumoasă. Cei doi roboți s-au „prezentat” în sălile de dans și teatru, la Hip Hop și bătăi electronice, precum și „au colaborat” cu trupe de dans.
De CA Xuan Mai Ardia
